La Tromba - Master Class con James Thompson

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Master Class con James Thompson

LE TROMBE

Weril

MASTER CLASS CON JAMES THOMPSON

Con grande piacere ho partecipato il 03 Giugno 2003 al primo dei due giorni del Master Class tenuto da James Thomson al Conservatorio "Guido Cantelli" di Novara.

Il corso si è svolto come da programma, e ringrazio ancora Gabriele Cassone e il Conservatorio per aver fatto sì che questo grande evento riuscisse.

Durante il corso ho preso degli appunti e con grande piacere (nonché previa autorizzazione da parte del M° Cassone) li elencherò qui di seguito. Attenzione, sono solo degli appunti, quindi dategli il peso che si meritano.

Musicalità

Quando vediamo una nota bassa e poi una alta abbiamo la tendenza di fare la bassa crescente d’intonazione perché pensiamo alla alta: sono 2 note distinte.
Nei glissati, cerca bene gli armonici nella nota prima di passare a quella superiore.
Pensa a dei segni grafici quando suoni.
Quando un pezzo è ricco di armonie non ci va il vibrato altrimenti le armonie non si sentono.
La nota più alta non è la più importante anche perché molto spesso non è la fine della frase.
La frase finisce con l’ultima nota, non buttarla via.
Pensa al tempo presente, non al futuro. Suona la nota in quel momento.
Spesso succede che pensiamo alla nota acuta e ci irrigidiamo subito prima e di conseguenza tutti gli armonici delle note precedenti non ci sono più. Le note acute vengono, non ti preoccupare.
Tieni le frasi e l’intensità della stessa e trasmetti il sentimento che il compositore del brano voleva dare.
Le note basse devono essere ben sentite e le devi suonarle con tutti gli armonici. Sembra che siano forti ma non lo sono.
Se non sei preciso canta il pezzo.
Quando suoni con il pianoforte, ascoltalo e impara bene la sua parte. Quando hai un buon feeling con il pianista non ti senti solo sul palcoscenico.
Nella musica tedesca devi pensare a frasi molto lunghe con sempre lo stesso colore di suono.
Nella musica francese cambia spesso colore, attacco, la velocità del vibrato.
Lascia che l’armonia ti insegni a suonare la melodia.

Aria

Pensa sempre al respiro che devi fare per una nota non alla nota stessa: nel respiro ci deve essere la nota.
Più imparo a velocizzare e prendere aria (e quindi ad averne un buon controllo) e meno muscolatura impiego a guadagno della resistenza e soprattutto nel suono. Si va meglio a ragionare in aria o in muscoli? In aria ovviamente, è la cosa più semplice.
Nel glissato con solo il bocchino tutti gli armonici devono essere uguali. Il sincronismo perfetto aria-labbra si ottiene appunto con i glissati. Nel glissato con la tromba, non controllare la nota più alta altrimenti cambia il flusso dell’aria. Lascia che l’aria faccia cambiare il suono. La prima volta sentiremo un accento e ciò è buono. Poi arriverà ad essere uguale. Lascia che il crescendo crei la nota. Cambiando armonico si deve avere sempre la stessa qualità del suono. Partiamo dal piano per arrivare al forte nell’armonico superiore. Aiuta il cambio della nota con il crescendo ma non cambiando impostazione delle labbra.
La pressione dell’aria va in tutte le direzioni e se noi non gonfiamo un po’ le guance è perché irrigidiamo la muscolatura facciale e le labbra per convogliare l’aria al centro. Gonfiare un po’ le guance non è male. Pensa ad esempio alla respirazione circolare: là bisogna farlo… Per trovare il giusto rilassamento dobbiamo fare questo esercizio: prendo una nota e poi mi rilasso in modo che questa cali fino a scomparire. Dobbiamo dare l’idea di cadere o di avere un’automobile che ci passa vicino. Rilassati per andare giù e lascia pure che il suono si disperda. Serve a trovare il giusto rilassamento. L’idea è quella di restare morbido. Se ti lasci morbido l’aria va ovunque e magari anche "nelle guance".
Pensa a quello che fai in ogni momento. Per fare il glissato non devi muovere nulla ma solo cambiare velocità all’aria. Aiutati con un crescendo.
Fai molte volte una abitudine perché non ci sia più una vecchia. Una il BERP forato se usi poca aria e usa il buzzer se invece ne usi una giusta quantità. L’anella non va più di tanto bene perché non hai la resistenza dello strumento.
Per andare nel registro acuto devi imparare a suonare piano nel registro medio. Per andare nel registro acuto bisogna essere rilassatissimi, non ci devono essere tensioni di alcun tipo.
Usa più aria dove ce n’è bisogno: ogni nota deve essere ben sentita.
E’ più facile suonare con più aria e meno tensione, e nel forte tutto ciò permetterà di sentire meglio e un suono più bello.
Attenzione a non cambiare imboccatura quando prendi aria per una nota acuta. Se cambio imboccatura non ho un buon suono. Per togliere questo difetto, facciamo un passo indietro e facciamo quel pezzettino di frase senza respirare nel momento in cui dobbiamo fare la nota acuta. Poi lo rimettiamo nel mezzo. Suona il respiro, non fare in modo che il respiro chiuda l’imboccatura. Ricorda una imboccatura è per 3 registri. Le labbra si muovono ma non cambia l’imboccatura.
Studio con glissato lento, medio, veloce e poi senza. In questo modo le note non sono più lontane fra di loro. Il GLISSATO riavvicina i suoni e aiuta a velocizzare l’aria.
E’ importante non forzare l’allievo dicendogli cosa fare ma dargli qualcos’altro da fare che lo porti ad ottenere il risultato. Per esempio per l’aria non gli diciamo più aria, ma gli facciamo usare il berp e poi lui solo si accorge di cosa ha fatto. In questo modo l’allievo non si irrigidisce per pensare al più aria, ma suona + liberamente. Poi verrà chiesto cosa ha usato per migliorare il tutto.
Ascolta il tuo corpo e l’aria quando canti il glissato.
Le acciaccature falle sempre sentire bene.
Ragiona bene con l’aria. E’ molto più semplice ragionare con l’aria che con i muscoli. E’ molto importante iniziare piano e poi nel glissato fare crescenti. Le note così rispondono poi meglio nelle labbra. Grazie a questo esercizio bilanciamo correttamente aria e labbra.
Precisione nel registro acuto nelle dita, aria labbra.
Tornare piano dai glissati serve a fare in modo che si ottenga l’imboccatura morbida. Osservate cosa accade nel glissato al nostro corpo. Deve spostarsi la parte bassa del tronco.

Suono

Il suono è la base di tutto. Per suonare correttamente ci vuole una buona qualità.
Per migliorare il suono usare esercizi molto molto semplici per poter ascoltare e migliorare il suono.
Ascolta e impara da te stesso e usa il “muscolo” più importante che è la TESTA.
Ricorda che il suono nella “tecnica” è come il suono nelle “armonie”.
Il suono deve essere sempre ricco di armonici. Se è ricco di armonici automaticamente è anche intonato e bello da sentire.
Per aiutarti canta: se sei preciso cantando sarai preciso anche suonando.
Ogni nota deve essere ben centrata e bella intonata (quindi ricca di armonici).
Devi tenere sempre in testa l’idea del suono che vuoi ottenere. Quando riuscirai ad ottenere un bel suono ricco d’armonici e lo avrai ottenuto perché c’è l’ hai in testa, sarà semplice ottenere gli altri suoni che il tuo direttore d’orchestra vorrà sentire. Per esempio James Thompson fa sentire come la stessa tromba si riesca facilmente ad ottenere il suono della Tromba Barocca in Re (suono piccolo e chiaro quindi uso degli armonici superiori), Tromba Tedesca (+aria che suono), Cornetta (+scuro quindi uso degli armonici inferiori e poca aria). Tutto ciò va a nostro vantaggio, abbiamo tanti strumenti con uno solo. Per fare questo non devi fare altro che ascoltare il colore del suono, gli armonici quindi, e pensa sempre ad una lettera aperta quando canti (tAH con una A a mezza strada tra una A e una O). La difficoltà sta solo mettere il suono giusto nel pezzo giusto.
Per avere un bel suono devi per forza avere un bel respiro. Respira nel ritmo e nello stile. Non fermare l’aria dopo aver respirato. Se respiri bene, il respiro diventa musica. Se l’attacco è sbagliato il più delle volte è perché sbagli respiro. Pensa di essere un violinista: il respiro per noi è come l’archetto per i violinisti. Noi mediante l’aria cambiamo l’attacco del suono e i violinisti fanno lo stesso con l’archetto. Miglior controllo dell’archetto (aria), migliore controllo di tutto. Anche il modo di inspirare è molto importante. Se un direttore d’orchestra è bravo nei movimenti della bacchetta vedi i movimenti del respiro. Respiro profondo = suono profondo.
Per avere un bel suono quindi bisogna avere un’ottima padronanza dell’aria nonché un buona respirazione. Una parte dei ragazzi che sono saliti sul palcoscenico dell’auditorium usavano pochissima aria per suonare e il suono si sentiva che non era bello. Per correggerli, dopo averli fatti suonare un pochino ed aver ammirato ciò che riuscivano a fare, gli faceva rifare l’esercizio con il Berp. Di conseguenza (visto che il Berp viene utilizzato per centrare bene gli intervalli ma soprattutto per usare più aria) il suono quando si ritornava sullo strumento era veramente bello. A questo punto gli chiedeva cosa era cambiato e loro si accorgevano che avevano usato più aria. Questo è un buon metodo per far usare più aria all’allievo poiché non lo si sforza a farlo respirare di più – in quanto porterebbe a diventare rigido – ma lo si fa arrivare in modo naturale.
Per poter migliorare la qualità del suono ricercando gli armonici e per imparare a velocizzare l’aria in modo che sia giusta per quella nota, fai molto glissati seguendo appunto il metodo che lui ha scritto.
Per imparare a sentire il suono fai de bei cantabili. Se un pezzo ti piace respiri meglio e migliora il suono. Usa i cantabili fatti dai cantanti. Il tuo suonare deve essere come un bel canto.
Quando il suono si chiude la maggior parte delle volte è perché noi pensiamo a quella nota troppo acuta e mettiamo più muscolatura che aria. Pensala più bassa è verrà da sola.
Buona qualità di suono sul bocchino porta ad avere una buona intonazione.
Se certi salti non vengono bene, studiali dapprima con lunghi glissati e poi via via accorciali. Tutto ciò migliora l’intonazione della nota da prendere
Se è più semplice andare in “alto” che in basso vuol dire che sei rigido (sempre nel registro medio). Pensa ad un crescendo nelle parti basse. Per trovare l’aria fa fare dei glissati con il berp (dopo aver usato il berp stesso) prima come se facesse flessibilità e poi nel pezzo. Più lento è il glissato e più facile è sentire il suono pieno. Questa tecnica va usata ovunque per studiare. L’intonazione è legata alla velocità dell’aria stessa. In sintesi il glissato serve per imparare a velocizzare l’aria; con più velocizzo l’aria con meno impiego la muscolatura e gli armonici vengono tutti uguali.
Lo SLIDE (il far crescere e calare d'intonazione una nota) serve per migliorare la centratura del suono di una nota. Senza muovere la testa, fallo prima lento, poi più veloce e poi andiamo calando l’intonazione e cresciamo finché non abbiamo raggiunto il giusto livello d’intonazione.
Non pensare che tutti i Re3 (Mi3 nel pianoforte) sono alti. In certi intervalli è alto, in altri è giusto. per esempio nella scala di Mib maggiore va bene così (Mib4 fino al Mib3 e poi scendo al RE e salgo), invece nel Sol maggiore va bene usare la pompa.
Tutto bello intonato e quindi con tutti gli armonici.
Il canneggio largo va bene per andare negli acuti perché abbiamo meno resistenza all’aria. Esempio certi acuti difficili con la Do sono più semplici con la Sib.
Sempre lo stesso colore i suoni nei glissati. Ogni singola nota deve avere lo stesso colore. Pensa che devi indicare qualcuno quando vai sulla nota acuta del glissato. Metti il crescendo nel glissato andando in su e un diminuendo andando in giu.
Ascolta la tua testa e istruiscila.
Ogni nota che per noi è un blocco bisogna lavorarla come abbiamo lavorato il blocco precedente. Se una posizione non viene quella non viene in qualunque tromba. Bisogna lavorarla in modo che se ne vada l’abitudine cattiva di quella nota. Il segreto delle note acute è imparare a suonare bene piano il registro medio.
Per togliere un'abitudine su una posizione puoi usare l'esercizio numero 2 del H.L. Clarke "Technical Studies for the cornet" piano piano e con glissati in mezzo e raggiungendo la nota che lui la trova dura.
Suonare con l'accompagnamento migliora intonazione, ritmo e sincronizzazione.
Quando il suono si chiude la maggior parte delle volte è perché noi pensiamo quella nota troppo acuta e mettiamo troppa muscolatura. Pensiamola più bassa e verrà.
Se usi il vibrato in un pezzo (ovviamente nei pezzi dove si possa) cambia la velocità del vibrato in base al carattere. Per esempio Lento: melanconico Veloce: lucente
Pensa al respiro che devi fare e non alla nota che devi fare: nel respiro ci deve essere già la nota.

Foto ricordo del secondo giorno di corso

Questa pagina è stata modificata per l'ultima volta il 19 07 2003

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